Get Out

Una animación francesa, técnica limpia, desarrollo fluido y conclusión sorprendente. Pero, más allá de estos tecnicismos, me llenó de ternura el cabezota de Gary.
Best Animated Short Film 2009

A veces hay tanta belleza...

Fotografía de Juan Carlos del Río

A veces hay tanta belleza en el mundo, que siento que no la aguanto, y mi corazón...simplemente se va a rendir.



Film American Beauty / Belleza americana

Fui al río

Fui al río, y lo sentía
cerca de mí, enfrente de mí.
Las ramas tenían voces
que no llegaban hasta mí.
La corriente decía
cosas que no entendía.
Me angustiaba casi.
Quería comprenderlo,
sentir qué decía el cielo vago y pálido en él
con sus primeras sílabas alargadas,
pero no podía.

Regresaba
-¿Era yo el que regresaba?-
en la angustia vaga
de sentirme solo entre las cosas últimas y secretas.
De pronto sentí el río en mí,
corría en mí
con sus orillas trémulas de señas,
con sus hondos reflejos apenas estrellados.
Corría el río en mí con sus ramajes.
Era yo un río en el anochecer,
y suspiraban en mí los árboles,
y el sendero y las hierbas se apagaban en mí.
Me atravesaba un río, me atravesaba un río!

Juan Laurentino Ortiz
Alias Juanele
Poeta argentino entrerriano (1896 - 1978)
(«Fui al río...», El angel inclinado, 1938)

Los versos de Juanele han sido uno de los regalos más preciados que me llevo de mi estadía en el río Paraná. En esta breve poesía, el poeta celebra con incontenible alegría su fusión con la naturaleza, la que ya nunca volvería a ser la otra parte de la ceremonia dialógica. Por fin, él era el río y el río era él.
Paradójicamente, aún en su tierra, no es tan fácil conseguir ejemplares de su obra editada., por eso para leer más sobre su "antología" les dejo este enlace
Y bajo el riesgo de extenderme demasiado, una foto del río que se recuesta frente a mi ventana.

Fotografía de Celeste Mazzadi

Argine o cómo la ilusión levanta castillos

Argine-HD from jujube on Vimeo.

Cada vez que visito El baúl que no tenía mi abuela, encuentro delicias como éstas. Les recomiendo un paseo por el sitio y encontrarán un mundo de fantasía.

Autobiografía en 5 capítulos

Llorar a lágrima viva

Llorar a lágrima viva.
Llorar a chorros.
Llorar la digestión.
Llorar el sueño.
Llorar ante las puertas y los puertos.
Llorar de amabilidad y de amarillo.

Abrir las canillas,
las compuertas del llanto.
Empaparnos el alma,
la camiseta.
Inundar las veredas y los paseos,
y salvarnos, a nado, de nuestro llanto.

Asistir a los cursos de antropología,
llorando.
Festejar los cumpleaños familiares,
llorando.
Atravesar el África,
llorando.

Llorar como un cacuy,
como un cocodrilo...
si es verdad
que los cacuyes y los cocodrilos
no dejan nunca de llorar.


Llorarlo todo,
pero llorarlo bien.
Llorarlo con la nariz,
con las rodillas.
Llorarlo por el ombligo,
por la boca.

Llorar de amor,
de hastío,
de alegría.
Llorar de frac,
de flato, de flacura.
Llorar improvisando,
de memoria.
¡Llorar todo el insomnio y todo el día!

Oliverio Girondo

Final

Conoces de memoria mi anatomía,

por dónde recorrer mis heridas,

mis flaquezas y desesperanzas.

Lo supiste antes que yo misma.

Y yo conozco algunos caminos de tu mapa

labrados en horas de vos.

Como si pudiera recorrerlos con

el simple tacto de mis dedos.

A ti te debo el haber vuelto a vibrar,

haber llegado a lugares tan escondidos y

olvidados que ya no reconocía míos.

Te debo, además, el espejo donde

mirarme hacia dentro.

Y desde mi ser,

todo te fue destinado,

los gozos y las sombras.

Lo uno entrelazado con lo otro.

Lo sublime y el desencanto

en su juego eterno de luz y noche.

Me he preguntado cuál es el artificio

que nos cruza

en nuestro condicional existir. 
Dime el por qué de los campos desolados
si hasta el desierto puede tener su flor.

Y aún las tristezas más hondas

compartidas en tiempos de desvelo

aún así, amor,

lo mágico,

lo inesperadamente bello,

han sido nuestras ráfagas de felicidad,

nuestro hálito silencioso de vida

y el reconocimiento íntimo de

que nos encontramos en un lugar

más allá del tiempo.

Reina mora

Arte PoP

El Pop Art surge en la decada de 1950 en Gran Bretaña y años más tarde alcanza su auge en Estados Unidos, aunque con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos») y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.
El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.

El Pop Art("arte popular")está inspirado en la cultura de masas y subraya el valor de los iconos de la sociedad de consumo. Se representababan latas de cerveza o sopa, cómics, señales de tráfico, collages y esculturas. Los materiales fruto de la tecnología moderna, como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.

Los artistas del pop pretenden llegar al máximo público posible, sin elitismos ni exclusiones. Su mensaje es sencillo y claro y se dirige al común de la sociedad. No se persigue la originalidad sino más bien la reinterpretación de fotografías, grabados y pinturas anteriores.
Por esto, este movimiento se expresa mediante contornos claros, colorido variado y fuerte y provocador y con la ausencia de grandes mensajes, es decir, sin reivindicaciones ni denuncias a injusticias de la época. La temática es muy simple y directa.

La publicidad, el diseño industrial, el cartelismo, las revistas ilustradas, todos ellos ramas menores relacionadas con el mundo del arte, encontraron su cauce expresivo dentro del movimiento del "pop art".
Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.

Haciendo hincapié en los cómics, son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca con Flash (1963), Richard Pettibone con Tricky Cad (1959), Jess Collins con Dick Tracy (1960), Andy Warhol con Good Mornig, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I Opened Fire (1964).

El cielo del gorrión / Un cuento turco

Había un gorrión minúsculo que, cuando retumbaba el trueno de la tormenta, se tumbaba en el suelo y levantaba sus patitas hacia el cielo.

-¿Por qué haces eso? -le preguntó un zorro.

-¡Para proteger a la tierra, que contiene muchos seres vivos! -contestó el gorrión-. Si por desgracia el cielo cayese de repente, ¿te das cuenta de lo que ocurriría? Por eso levanto mis patas para sostenerlo

-¿Con tus enclenques patitas quieres sostener el inmenso cielo? -preguntó el zorro.

-Aquí abajo cada uno tiene su cielo -dijo el gorrión-. Vete... tú no lo puedes comprender...

Anónimo

Absoluto Mozart

W.A. Mozart a la edad de trece años, durante un viaje a Nápoles con su padre, visitó Roma y allí escuchó el Miserere de Allegri en la Capilla Sixtina. Esta obra sólo podía ser ejecutada allí y estaba prohibido copiarla o reproducirla bajo pena de excomunión. Mozart fue capaz de transcribirla de memoria en una sola audición, escribiéndola después al llegar a sus alojamientos. Se ha dicho que era capaz de escribir música en medio de una partida de billar. 

Origen de las notas musicales

El origen de las notas musicales está inscrito en un himno eclesiástico: Ut queant laxis es el  Himno a San Juan Bautista, escrito por el historiador lombardo Pablo el Diácono, en el SigloVIII. Pueden escuchar estos breves versos cantados en el video preparado especialmente.

Ut queant laxis   Para que puedan
Resonare fibris   Con toda su voz
Mira gestorum    Cantar tus maravillosas
Famuli tuorum    Hazañas estos tus siervos,
Solve polluti        Deshaz el reato de
Labii reatum       Nuestros manchados labios,
Sancte Ioannes   ¡Oh, bendito San Juan!

O según otra traducción: ""Para que las maravillas de tus obras puedan resonar en la voz serena de tu siervo, limpia el pecado de su labio manchado oh San Juan".

De las primeras sílabas de los versos de este himno, hacia el Siglo XI el monje benedictino Guido D'Arezzo, padre de la música, toma el nombre las notas musicales de la notación latina moderna. El himno está en latín, y tiene la particularidad, de que cada verso comienza con una nota diferente, y puntualmente va subiendo esa nota como el típico solfeo.
Así quedaron conformadas las notas : UT, RE, MI, FA, SOL, LA y SI (siendo SI, la unión de la S de Sancte y la I de Iohannes).Guiddo de Arezzo, entonces creo un sistema de solfeo, mediante el cual se podía comenzar a estudiar la música mediante un nombre teórico para cada nota.
Posteriormente, en el año 1636, Giovanni Battista Doni sustituyó la nota ut por do, pues esta sílaba facilitaba el solfeo por terminar en vocal. En cambio UT dificultaba el solfeo al tener que nombrarla repetidas veces.
Probablemente do tenga su origen en Dominus., o bien represente las primeras dos letras de su propio apellido "Doni".Esta modificación se explandió y aceptó rapidamente.

En algunos idiomas (como el inglés) cambiaron la s inicial por una t para que cada nota comenzara en una consonante distinta (y sol y si no comenzaran ambas en s).

A vuelo de pájaro / Erika Kuhn / Segunda Parte

Erika Kuhn Parte 2

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A vuelo de pájaro / Erika Kuhn / Primera parte

La descubrí por ventura. Las palabras sobran cuando la obra por sí misma llena todos los espacios con una intensidad inusual. Dejemos hablar los trazos, que dibujan el alma.
Ver en modalidad pantalla completa ( fullscreen ) para que los textos sean legibles.

Erika Kuhn / A vuelo de pájaro / Parte I

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Encontrarán mucho más de ella en su blog.

French Roast

French Roast from Piokaz on Vimeo.

French Roast, algo así como "Asado francés", ha recibido numerosos premios de festivales y atención de la crítica durante los últimos meses. En agosto 2009, el corto se llevó a casa el mejor premio importante del Show en el conciliábulo anual de SIGGRAPH en Nueva Orleans y también fue nominado para el Oscar Mejor película animada corta de este año.
Su director narra en Animation Magazine que su inspiración vino de una cierta nostalgia de París, ya que debió vivir muy lejos mucho tiempo. Esta lejanía ha nutrido un París idealizado en su mente. Utiliza ese sentimiento como punto de partida para la historia del French Roast. Porque es un animador y porque le encantan los personajes, quería contar una historia a través de la pantomima y la caracterización, evitando así el uso del diálogo. También quería hacer una comedia. Desde ese punto de vista, su principal inspiración fue el trabajo de Jacques Tati. También lo ha inspirado los dibujos Ronald Searle.
Un momento para disfrutar.

La lección: NO JUZGUEMOS POR LAS APARIENCIAS

Ricardo Carpani: arte e ideología

El arte mural de Ricardo Carpani

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"Hay que rememorizar. Porque un país sin memoria, toma memorias prestadas. Y las memorias prestadas son precisamente la colonización cultural."
Ricardo Carpani

Hablar de Ricardo Carpani es hablar de un Artista con mayúculas, cuya obra nos recuerda permanentemente nuestra identidad.
Nacido en la Provincia de Buenos Aires en el año 1930. Toda su obra es una expresión clara y tajante de su ideología política, y de su compromiso social. Así entendía el arte, como una forma de transformar la realidad. Su elección fue una elección militante, audaz, revolucionaria, como hubo pocas en la Argentina.
Su labor gráfica, afiches políticos, ejecutada en su mayor parte para el movimiento obrero y organismos de defensa de los derechos humanos, constituye, junto con su actividad muralística, un aspecto destacado de su obra.
"La obra pictórica está profundamente ligada a la experiencia social y política de la Argentina. Las imágenes de la clase obrera que nos iban a ser transmitidas por la obra de Carpani, no son exactamente los de una clase obrera organizada e integrada corporativamente al sistema, sino que lo que encontramos realmente es na clase en lucha" (cita de Ernesto Laclau).
Sus figuras son fuertes y sólidas y parecen "recortadas en piedras".
En sus composiciones predominan la figura de hombres decididos, firmes. Un tema que desarrollará en esta línea será la ilustración del Martín Fierro, el poema épico por excelencia de la Argentina, un alegato por la causa del gaucho.
En la década del 70 se radica en Madrid, a causa de la persecución ideológica de la dictadura militar permanece diez años en el exilio.
Es en España donde lleva a cabo una intensa actividad plástica y recorre Europa, Estados Unidos y Cuba, México y Ecuador.
Su artista más admirado, Miguel Angel, se refleja en su vocación por la forma del cuerpo humano. Un cuerpo con contextura fuerte, musculoso, centro de la imagen. Sus manos trabajadas y sus rostros dialogarán en expresión de potencia. La serie "Amantes" mostrará la conjunción de la pareja humana en abrazos sólidos, sensuales y envolventes. Con la reinstauración de la democracia en Argentina, Carpani vuelve a su país en 1984. Desarrolla una serie de retratos como los de Julio Cortázar, Rafael Alberto y Roberto Arlt. Comienza una serie de composiciones de la selva porteña donde se unen el arrabal, el tango y los cafés con el abundante paisaje tropical, con su vegetación y fieras salvajes. También desarrolla una serie de obras con el tema del Tango, algunas de las cuales serán parte de paneles del Show Tango Pasión, que recorrerá Europa. Expone, pinta y enseña en Argentina y viaja por el mundo.
Muere en Buenos Aires en 1997. Es uno de los grandes artistas plásticos de Argentina de toda su historia.

The girl with the liquid eyes / La chica de los ojos líquidos

Esta es una breve historia sobre el amor, el dolor y la pérdida. Es profundo, toca el alma, nos mueve esa fibra interna del sentimiento más triste allí escondido, tiene una belleza unida al dolor difícil de explicar. Puede el dolor ser bello ?.
Es un poético cortometraje de los directores Charlotte Boulay-Goldsmith y Adam Smith realizado en el año 2009, y escrito por la misma Charlotte Boulay-Goldsmith. Se encuentra en idioma inglés pero contamos con la traducción al español realizada por Andrea Schwart en un generoso trabajo de colaboración.
Pude conocer esta película gracias a El baúl que no tenía mi abuela.

"Habia una vez una joven con grandes ojos azules.
Todo el mundo y el Sol reian cuando los abria bien grandes.
Los bosques le contaban chistes
y los vientos le hacian cosquillas en la garganta
y con un guiño las nubes se escondian y cantaban
"Alli viene la joven con los grandes ojos azules!"

Una vez el teléfono sonó, triste,
Lo levantó y oyó: -"Ya no te amo".
El Sol, las nubes, los árboles y el viento
todos pispearon y vieron cómo la joven
caía en un gran agujero negro.
El Sol no soportaba verla en brazos de tan tremendo dolor
y aunque las nubes con toda su fuerza le pidieron permanecer,
el Sol llamó a la luna para ocultar su luz.

La joven se quedó sentada sola en la noche.
Llorando y llorando y llorando y llorando.
Sus ojos rápidamente se llenaron con lágrimas como perlas
hasta que ya no contenidas rodaron por su silla.
Pronto la casa, los bosques y luego el cielo
se llenaron de azul.
Corrian los dias y las noches, sin fin.
Su dolor crecía aún más
hasta que ahorgó al mundo en el agua de su pena.
Las memorias felices pendían de sus párpados
mientras lloraba,
pero el agua salada no cesaba
y sin importar cuánto trataron
se vieron disueltas por el dolor de su olvido.
Pronto el color se fue, y luego el ojo mismo,
hasta que sólo quedaron dos huecos.
Las fuentes de sus lágrimas constantemente desbordadas.
Los arboles se convirtieron en algas
las nubes en témpanos.

Los niños no creen, cuando miran al pasado,
que la joven con ojos liquidos
antes era de enormes ojos azules.

Tantos años lloró que su cerebro se estaba encogiendo,
vacio y drenado,
hasta que un dia,
antes que su alma fuese arrastrada,
sus párpados hinchados
sintieron el calor de unos labios amorosos,
cuando alquien a quien ella le importaba, simplemente dijo:
"Porque lloras?" y la joven contesto: -"No recuerdo..."

Noche blanca / Nuit blanche

Nuit Blanche es un cortometraje dirigido por Arev Manukian, con música de Samuel Bisson. En apenas cuatro minutos recrea y explora ese momento mágico y fugaz en el que dos extraños revelan su breve conexión. Realismo fantástico, deseo, unión. Les recomiendo subir el volumen de los parlantes porque su música acompaña maravillosamente la cámara lenta, y disfrutarlo en pantalla grande para apreciar sus efectos especiales.

Nuit Blanche from Spy Films on Vimeo.

El velocípedo

(Del lat. velox, -ōcis, veloz, y pes, pedis, pie).

Un velocípedo es , por lo tanto, un vehículo veloz a propulsión humana, movido por los pies. De estructura de hierro y formado por una especie de caballete, con dos o con tres ruedas, y que movía quien iba montado en él, por medio de pedales. Es considerado el precursor de la bicicleta, pero para el castellano no es sinónimo de ésta , pues en sus primeros modelos las ruedas eran de diferente tamaño, no poseía pedales y sólo se movía empujando deslizando los pies por el suelo. Sin embargo para otros idiomas, como el francés y el ruso, los términos son sinónimos. Actualmente en algunos países como Suiza y Francia, a la bicicleta se la denomina simplemente "velo". De esta palabra también deriva "velódromo" ( de velo y dromos, del griego camino y luego carrera), así el velódromo es la pista para carreras de bicicleta.
Ideado por primera vez por Karl Drais que en el 12 de junio de 1817 lo presenta a la sociedad.
Posteriormente en el año 1863 en Francia el inventor Pierre Lallement mejora la invención de Dreis añadiendo pedales. Al velocípedo de dos ruedas se le denomina a veces en inglés como boneshaker (agitador de huesos). La compañía de Michaux fue la primera en producir en masa el velocipedo, desde 1867 a 1870.

Para ilustrar este vehículo tan particular, que nos arranca una sonrisa al verlo, preparé un breve video con fotos antiguas y música de Charles Trenet "La mer", grabada en el año 1946.

Un viaje al tiempo de María Castaña.

Fotos extraídas del sitio The wheelmen

Ashes and Snow / Gregory Colbert

 

“Mientras exploro las sensibilidades poéticas y el idioma compartidos por todos los animales, con mi trabajo busco redescubrir esa tierra común que una vez existió cuando las personas vivían en armonía con los animales. Las imágenes muestran un mundo que no tiene ni principio ni fin, ni aquí ni allí, ni pasado ni presente.”

Ashes and Snow de Gregory Colbert es un proyecto en curso que entrelaza trabajos fotográficos, películas de 35mm, instalaciones artísticas y una novela presentada en cartas. Con una profunda paciencia y un férreo compromiso con la naturaleza expresiva y artística de los animales, ha capturado de forma extraordinaria, improvisadas interacciones entre los seres humanos y los animales.

Desde que comenzó la creación de su singular trabajo de Ashes and Snow, Colbert ha organizado más de 30 expediciones a lugares como India, Egipto, Burma, Tonga, Sri Lanka, Namibia, Kenia, la Antártida, las Azores y Borneo.

Colbert, que define a los animales como “obras maestra vivas de la naturaleza”, decidió filmar a los animales en su hábitat natural en un esfuerzo por ser fiel a la voz de cada animal.  

Colbert filmó y fotografió animales como elefantes, ballenas, manatíes, ibis sagrados, grullas Antígona, águilas reales, halcones gyr, rinocerontes búceros, guepardos, leopardos, perros salvajes africanos, babuinos, gibones, orangutanes y cocodrilos de agua salada. Los sujetos humanos que ha fotografiado y filmado incluyen a monjes birmanos, bailarines en trance, gente San, y miembros de otras tribus indígenas alrededor del mundo

La película se puede ver como una obra de arte, así como un estudio de campo poético.

La exposición Ashes and Snow incluye más de 100 obras de arte fotográficas a gran escala, una película de una hora y dos películas haiku de nueve minutos. Ninguna de las imágenes se ha manipulado de forma digital para aparecer en collage o superpuestas. Registran lo que el artista vio a través del objetivo de su cámara. Mientras que Colbert utiliza cámaras con película y fotogramas, las imágenes no son fotogramas de la película. Los trabajos fotográficos de soporte mezclado combinan los tonos ámbar y sepia en un proceso encaústico sobre papel japonés hecho a mano. Las obras de arte, de aproximadamente un metro y medio por dos y medio, se montan sin ningún texto explicativo, fomentando una interacción abierta con las imágenes.

El Nomadic Museum es el hogar permanente para trasladar y exponer Ashes and Snow. Gregory Colbert concibió la idea de un museo viajante sostenible en 1999. La visión de Colbert era crear una estructura sostenible que se pudiese ensamblar fácilmente en diferentes puertos del mundo, y de esta manera pudiese proveer un ambiente transitorio para el recorrido global de la obra.
De esta forma la exposición ya se ha realizado en Venezia, New York, Los Angeles, Tokio y México.

"El trabajo de Colbert se siente eterno y sagrado. Resuena con una sabiduría luminosa y esencial que habla a través de las épocas… El trabajo de Colbert opera en un universo paralelo al nuestro, un mundo serio, refrescante, post – irónico, donde el asombro puro y el sobrecogimiento todavía residen”.The Globe and Mail, 2002
Cenizas y Nieve de Gregory Colbert
http://www.ashesandsnow.org

En tus brazos

“En Tus Brazos” es un corto animado creado por tres animadores franceses François-Xavier Goby, Edouard Jouret y Matthieu Landour, quienes le dieron vida a la historia mientras estudiaban en la escuela de animación Supinfocom Valenciennes.

La breve película está cargada de emoción, melancolía y pasión. Muestra la belleza de la tragedia al compás del más puro tango porteño: “En Tus Brazos” de Alfredo de Angelis y Oscar Larroca y “EL Huracán” de Edgardo Donato.

“En Tus Brazos” presenta un excelente acabado, altísima calidad de las animaciones y actuaciones, está lleno de creatividad y llega a trasmitir un caudal magnánimo de emociones, por la pasional música y por la expresividad de los personajes.

Jorge y Elba son dos afamados y talentosos bailarines de tango, pero su mundo de compases se ve derrumbado cuando él sufre un accidente y queda postrado en una silla de ruedas.

Elba nunca lo deja y le demuestra que la vida sigue adelante. La pasión y el amor que ambos se tienen, y los sentimientos que profesan hacia esta dulce y poderosa música es la medicina que da luz y brillo a sus almas.

Presentada en los festivales de San Diego (Siggraph 2007, Premio a la Excelencia), Annecy (Francia), Argentina (Mar del Plata), Polonia (reanimacja), Auch (Francia), Miami (Romance), España (Animac), California (San Diego), Monaco (Imagina), Francia (Valenciennes), Bristol, Seúl y París.

“Yo me cegué en tus ojazos y fui a caer en tus brazos.
Y entre tus brazos yo fui feliz, porque te amé con delirio.
Yo fui a caer en tus brazos y así llegué hasta el martirio.
Te juro que enloquecí,
cuando por dentro me vi, y comprendí lo que hacía.
Quiero mirar hacia Dios,
aunque me muerda el dolor,
aunque me cueste morir”

Versión original en la web En tus brazos
Información extraída de Películas.info